那些想学作曲的人注意了：技术理论到底有多重要？

作曲和作曲技术理论到底啥关系？

很多人以为作曲就是灵感迸发、随手写旋律，其实背后都藏着技术理论的支撑。去年帮一个音乐系学生改作品，他写了段特别好听的旋律，但和声进行完全不对，听起来特别别扭。这就是典型的”有灵感没技术”的情况。

作曲技术理论就像盖房子的施工图纸，告诉你：

中央音乐学院作曲系主任秦文琛教授(nofollow)说过：”没有理论支撑的创作就像没有地图的旅行，可能走到死胡同。”但千万别误会，学理论不是为了限制创作，就像学语法不是为了限制说话自由。

为什么专业作曲都要学技术理论？

记得第一次看音乐学院作曲系的课程表吓一跳，光理论课就有：和声学、对位法、曲式分析、配器法…这么多门课。后来自己写歌时才明白，这些都是在解决实际问题：

和声学：避免写出”难听”的和弦

有个朋友自己写了首情歌，主歌用C-G-Am-F这种经典进行很顺耳，但到副歌突然插了个Bdim7和弦，听众都说”听着心里咯噔一下”。这就是没系统学和声学的后果——不知道哪些和弦连接会制造突兀感。

曲式分析：让作品有起承转合

很多网络神曲火不过一个月，就是因为全篇一个段落反复循环。像周杰伦的《夜曲》能成为经典，前奏-主歌-预副歌-副歌-桥段的精心设计功不可没。去年分析过这首歌，光主歌就有3个层次的情绪推进。

配器法：告别”MIDI味”

用电脑做音乐最容易犯的错就是所有乐器都堆在一起。有次帮人混音，发现他弦乐和钢琴完全在同一个音区打架。后来按配器原则调整后，马上有了专业录音棚的感觉——弦乐走中高频，钢琴侧重中低频，贝斯稳住最低频。

伯克利音乐学院(nofollow)的教材里特别强调：”理论是前人 的最佳实践方案”。就像玩游戏要懂规则才能玩得尽兴，创作也是同理。不过千万别变成理论控，我见过有人写歌先画和声功能圈，那也太教条了。

怎么平衡灵感与技术？

最好的状态是”理论长在手上”。像钢琴家弹琴不用想指法一样，创作时理论应该成为本能。分享几个实用方法：

有个学生让我印象深刻：她坚持用五声音阶写完整张专辑，结果反而做出特别有辨识度的风格。有时候限制才是创意的催化剂。现在很多音乐软件比如Logic Pro都有智能和弦提示功能，但这就像用自动美颜拍照——方便是方便，但容易千人一面。