从音痴到能写完整旋律，我经历了什么
去年帮一个游戏开发朋友临时救场写BGM，结果发现自己的作曲知识全是碎片化的。硬着头皮用吉他即兴弹了几个和弦交差，被甲方委婉地说”旋律缺乏记忆点”。那次之后我系统性地啃了三个月乐理，现在回头看，这些基础真的能少走很多弯路。
和声进行是地基。刚开始总想着写出惊艳的旋律，后来发现好听的流行歌60%都在用I-V-vi-IV这种万能进行（比如周杰伦《简单爱》的和声分析）。重点不是用多复杂的和弦，而是和弦之间的连接要自然。我习惯先在钢琴上弹几个基础进行，用手机录下来反复听，找到最舒服的那个再发展旋律。
节奏设计比想象中重要。有次我把写好的旋律给做电子音乐的朋友听，他什么都没改，只是调整了某些音的时值长度，整首歌突然就”活”了。后来养成了个习惯：所有旋律先写成均等的八分音符，再像玩橡皮泥一样拉伸压缩节奏型。
那些没人告诉你的实战技巧
用限制激发创意这点太反常识了。有个月我强迫自己只用C大调写歌，结果反而出了三首被音乐平台收录的作品。限制调性后，注意力自然转移到节奏设计和音程关系上。后来看到伯克利音乐学院教材里也有类似的训练方法——规定只能用三度以内的音程写旋律。
歌词和旋律的咬合度经常被忽略。早期我总先写完旋律再硬填词，直到有次把《成都》的歌词用朗读的方式录下来，才发现赵雷的旋律线条和方言语调是完全贴合的。现在我会先确定歌词的声调走向，比如：
移调练习是突破瓶颈的利器。有段时间写的歌都像同一个妈生的，后来老师让我把满意的旋律移到六个不同调上重写，才发现自己过度依赖某些音阶模式。现在每周会做这种练习：把《月亮代表我的心》的旋律片段用多利亚调式改写，或者把布鲁斯音阶套进民谣和弦里。
编曲软件的选择直接影响创作流程。用FL Studio时总不自觉堆叠太多电子音色，换成Logic Pro后反而写出了更干净的钢琴曲。 新手先从简约的工具开始，比如：
最近在帮一个咖啡馆写主题曲，老板说想要”下雨天玻璃窗上水痕流动的感觉”。这种抽象需求反而逼着我跳出套路，最后用竖琴的滑音+延迟效果做出了想要的气氛。有时候客户的不专业描述，反而是最好的创作指引。
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